Si algo tiene la música de Johann Sebastian Bach es que, más allá de preferencias y gustos, caben todo tipo de versiones de sus obras y siempre resulta una pieza mayúscula. Y digo preferencias porque en esto, como en cualquier otro apartado de nuestra vida, también hay diferencias que se presentan a la hora de elegir una u otra versión en virtud del tipo de instrumentos elegidos para abordar la obra (si son de época o son modernos), en relación al seguimiento de o no de las indicaciones históricas o historicistas a la hora de interpretar la partitura, según el tempus utilizado o incluso, si es una interpretación en directo la que vamos a disfrutar según el tipo de lugar donde lo haremos. Pero repito, más allá de las preferencias, si la interpretación es de altura y con un nivel suficiente, la partitura queda ahí, la presencia de la música es un hecho que es imposible de esconder y la obra de Bach ilumina irremediablemente a quien la escucha.
Escucho una Pasión dirigida por Philippe Herreweghe y se me ponen los pelos de punta ante tal belleza, pero no puedo dejar de maravillarme ante la grandeza de la misma obra dirigida por Karl Richter. Son dos versiones en muchos casos contrapuestas, abordadas de manera diferente, pero la obra está presente en la dos, el extraordinario relato humano de la Pasión de Jesucristo por parte de Bach se materializa en dimensiones que siguen su propio camino, que en ocasiones se acercan y después se alejan, pero que tienen el mismo principio e igual meta. Las Variaciones Goldberg interpretadas por Leonhardt al clavecín son algo exquisito, al decir de muchos, pero mis oídos de este siglo XXI no están acostumbrados a ese sonido tan dieciochesco, y mira que lo he intentado y lo intento, pero aún y todo en cualquiera de las audiciones de esa interpretación la música me llega nítida a mi ser y soy capaz de impresionarme ante tal belleza. La misma obra interpretada por, digamos, Glenn Gould, con un piano moderno, con una versión en el año 1955 llena de frescura y genialidad y otra del 81 con una madurez serena y llena de una meditación que te recorre el alma entera. Dos versiones que cada vez que las escucho me conectan con el ritmo de este planeta obligado a ir más deprisa de lo que le gustaría. Y la partitura, la obra de Bach continúa ahí, extasiándonos de diferente manera, pero extasiándonos. Y qué diríais de diferentes arias de la Pasión interpretadas con un conjunto de violas o las variaciones abordadas con un arpa. No siguen las indicaciones del propio compositor, pero el espíritu de la obra sigue indeleble como el primer día que las ejecutó el músico alemán.
Glenn Gould
El álbum que traigo hoy aquí pertenece a esa versiones que quizás no respeten la integridad de las indicaciones de la partitura o del instrumento para el que fueron escritas, pero no tengo ninguna duda que guardan el sentido que quiso darle el genial músico. Las sonatas BWV 1014 a 1019 fueron compuestas para interpretarse con violín y clavecín. En la versión que traigo hoy se utilizan un violín y un piano. Ejecutan estas sonatas Michelle Makarski y Keith Jarrett, dos carismáticos artistas que desarrollan su trabajo tanto en el jazz como en el repertorio clásico.
Nacida en el estado de Michigan, Michelle Ruggiroli Makarski tuvo su primer contacto con el violín a través de su padre, Marion Makarski, profesor de instrumentos de cuerda. Mientras continuaba con sus estudios de violín finalizó sus estudios en la Universidad de Michigan, donde se graduó magna cum laude como estudiante del prestigioso Paul Makanowitzky. Su interpretación ante Pau Casals, Felix Galimir, Sandor Vegh y muchos otros en el Festival de Marlboro Music le abrió las puertas en el desarrollo de su futuro como violinista. Recibió también clases magistrales de Nathan Milstein y tras ganar diferentes concursos internacionales se instaló en Europa, donde ahora desarrolla su labor y ofrece conciertos junto con otros músicos europeos y estadounidenses, así como recitales de su extenso repertorio para violín solo.
Makarski ha sido reconocida internacionalmente por sus imaginativas versiones en diferentes géneros y su expresiva ejecución del repertorio que va de la música antigua y barroca hasta jazz y obras contemporáneas, con una carrera singular seguida en silencio que muestra una excelente versatilidad artística y un sonido poco común. La colaboración con Keith Jarrett en una serie de conciertos en el Lincoln Center le llevó a asociarse con su actual discográfica, ECM Records, habiendo grabado unos cuantos álbumes muy elogiados y premiados incluyendo conciertos, jazz y música de cámara. Su reciente álbum en solitario, To be sung on the water , con obras de Giuseppe Tartini y del compositor estadounidense Donald Crockett, se anunciaba en la prensa internacional como «un triunfo conceptual y artístico». Según BBC Music Magazine está entre los violinistas contemporáneos más importantes.
Michelle Makarski sonríe junto a su violín
Keith Jarrett, nacido en Allentown, Pensilvania, un 8 de mayo de 1945, empezó a estudiar piano a los tres años de edad, demostrando inmediatamente grandes aptitudes, y en 1952 debutó profesionalmente en un concierto público, al tiempo que estudiaba batería, vibráfono y saxo soprano. Después de estudiar en Boston durante un año, se trasladó a Nueva York, donde grabó su primer disco y desde 1965 forma parte del cuarteto de Charles Lloyd. En 1971 empezó a trabajar junto al gran Miles Davis tocando el teclado electrónico, siendo ésta la última vez que utilizó dicho instrumento. En 1976 grabó como organista en la abadía benedictina de Ottobeuren.
Se trata de uno de los maestros del jazz de vanguardia, cuya producción más sobresaliente es una serie de piezas improvisadas grabadas en directo en diferentes ciudades. Y probablemente estos sean sus trabajos más famosos, pero es sin duda un enorme virtuoso. Muy versátil, Jarrett ha interpretado lo mismo música de autores del barroco europeo, como Johann Sebastian Bach o Georg Friedrich Händel, o piezas para piano clásico, clavicordio, clavecín y órgano, que autores minimalistas contemporáneos como Arvo Pärt o jazzistas actuales como Miles Davis, Chick Corea, Jan Garbarek, Gary Peacock, Charlie Haden y Jack DeJohnette entre otros. Jarrett, que tiene la reputación de ser un perfeccionista excéntrico, mientras toca, suele vocalizar de forma expresiva.
Keith Jarrett vive la música con expresión
Al hilo de lo que comentaba al principio, nadie podrá negar que si la música para clave de Bach ha dado pruebas de calidad indiscutible, hemos disfrutado de unas cuantas versiones para piano que no podremos olvidar jamás. Y en esta línea se sitúa el trabajo que hoy paso a comentar, editado y publicado por ECM Records y que nos ofrece las Sonatas instrumentales para violín y piano BWV 1014 a 1019 en la interpretación de Michelle Makarski y Keith Jarrett. No hace ni un año, en noviembre de 2012, salía al mercado un doble álbum con las mismas seis sonatas de Johann Sebastian Bach para violín y clavecín bajo la interpretación de Ton Koopman y Catherine Manson, publicado por Challenge Records. Dos versiones, dos mundos.
Si algo tienen de particular estas obras es que no son unas sonatas para violín con piano o para piano con violín, no. Son, verdaderamente, unas sonatas en donde el piano no es un mero acompañante a la voz siempre poderosa del violín. Es decir, no se limita a hacer el acompañamiento, el bajo continuo, al violín, sino que se convierte en una voz paralela, en este caso la mano derecha del teclado, que junto con la voz del violín mantienen un diálogo profundo, ahora uno, ahora el otro.
Johann Sebastian Bach compuso este grupo de sonatas instrumentales, construidas según el esquema de sonata da chiesa (lento-rápido-lento-rápido), durante la segunda mitad de la década de 1710 en Köthen, seguramente hacia 1717. Escritas en contrapunto severo, la profundidad y la meditación se hacen presentes en este ensayo intelectual en el que el compositor alemán dejó la huella de un perfecto estilo fugado denso, enmarcado en una estructura peculiar, a medio camino de la forma de concierto barroco y trío sonata. Al decir de muchos nos encontramos ante lo que podría ser el primer concepto de música de cámara moderna.
Makarski y Jarrett interpretan la música de Bach con sonoridades exuberantes, diálogos ingeniosos y, sobre todo, con una portentosa imaginación. Un testigo impagable y sensacional de estas extraordinarias obras barrocas que, con toda certeza, conmoverán a quien las escuche. Tampoco hay ninguna duda de que levantarán críticas. Las mismas que todavía hoy levantan las grabaciones de Gould.
Six Sonatas for Violin and Piano
Cuando escuche el disco por vez primera me quedé embriagado de la profundidad de algunos de sus números, la delicadeza en otros, el clima de meditación que se desprende en muchos de sus movimientos lentos y en cuanto a los movimientos rápidos algunos de ellos son auténticas danzas, juegos en otros casos y una virtud en la ejecución de todos.
Sonata nº 1 en Si menor, BWV 1014. En el segundo movimiento, hay algunas notas que dan idea de la sensibilidad y precisión de Bach. En algunas de sus sonatas el violín comienza con el teclado de tal manera que puede parecer que falta algo, con una sensación de vacío o de incompleto. Este problema lo resolvió el compositor con unas indicaciones para ejecutar con la mano derecha del piano, como por ejemplo en el comienzo de este movimiento. El sonido del violín en este movimiento me tiene hechizado. Allegro:
Sonata nº 2, en La mayor, BWV 1015. El tercer movimiento de esta sonata es una de las obras maestras de Bach, aunque no sea tan conocida como otras piezas. Se trata de un canon perfecto en donde la primera voz la lleva el violín y la segunda le sigue el teclado. Comienza el violín con un compás de antelación y le sigue el piano hasta la última nota. Es una melodía maravillosa, con un ambiente particular de serenidad en la tristeza. Andante un poco:
Sonata nº 3, en Mi mayor, BWV 1016. Resulta tremendamente similar, no se si por ser la misma tonalidad, o por el uso similar de los acordes, pero el caso es que el primer movimiento de esta tercera sonata tiene mucho parecido a algunas partes del estudio para piano de Chopin en mi Mayor. El segundo movimiento es una clara descripción de la felicidad infantil: el tema es de una alegría absoluta y la sencillez, el brillo y la estructura rítmica es asombrosa. Allegro:
Esto y el último movimiento son como droga para los dos intérpretes. No me extraña que nos de por pensar en una carrera cuando escuchamos la última parte. Allegro:
Sonata nº 4, en do menor, BWV 1017. Esta sonata se inicia con una siciliana, ese ritmo de danza que se asocia automáticamente con la melancolía, en este caso con una triste y dulce resignación. Es una parte difícil de tocar pero de una belleza impresionante. Por cierto a mi me recuerda a la parte de violín que acompaña a la voz de alto en el aria Erbarme dich de la Pasión según San Mateo, BWV 244. Largo:
El tercer movimiento se presenta como un oasis de serenidad después de la avalancha de la segunda parte, pero no es sino un descanso para retomar una dura batalla en el cuarto movimiento, que, por esa razón, puede recordar al más famoso primer movimiento de la 5ª Sinfonía de Ludwig van Beethoven. A ver qué os parece. Primero el tercer movimiento, Adagio:
Y seguidamente el cuarto movimiento, Allegro:
Sonata nº 5, en Fa menor, BWV 1018. Quizás la más profunda. El primer movimiento, dulce y triste, a veces parece un cielo que se abre, que permite pasar los rayos del sol reluciente que está detrás, pero tras la ilusión de unos segundos y de calor reconfortante, el dolor regresa una y otra vez. Creo que es difícil encontrar algo más profundo en la música de cualquier tiempo. ¡Y pensar que hay gente que dice que no le gusta la música de Bach porque le parece fría y racional! Después de escuchar este movimiento solo alguien ignorante o con nula sensibilidad podría hacer semejante afirmación. Largo:
Hasta ahora no ha habido problemas para observar un maravilloso diálogo entre el violín y el teclado, en este caso el piano. Pues bueno, en el tercer movimiento de esta sonata es el teclado el que lleva la voz cantante, el que manda en la partitura, relegando al violín el papel de simple acompañante. Es una sonata, de una notable tristeza que en este movimiento ofrece algunos instantes de alivio que, no tengáis ninguna duda, quedan aniquilados por el difícil cuarto movimiento. Tercer movimiento, Adagio:
Sonata nº 6, en Sol mayor, BWV 1019. Esta es la excepción en todas las sonatas por partida doble. Porque consta de cinco movimientos y porque comienza por un movimiento rápido. La primera parte recuerda al estilo italiano de concierto, con alternancia entre la orquesta y el instrumento principal repitiendo la misma frase. Allegro:
Pero es el tercer movimiento el que nos sorprende en una sonata para dos instrumentos ya que uno solo es el que ejecuta toda esta parte mientras el otro permanece en silencio. Protagonista, el piano. Allegro:
Un quinto movimiento brillante, rápido y abrumador cierra la sonata y todo el trabajo de una manera a la sonata nº 3. Allegro:
Bueno, ¿qué os parece esta versión? ¿Os ha gustado? ¿Cuáles son vuestras versiones preferidas de estas seis maravillosas piezas? ¿Tenéis algún otro dato que aportar?
bachiano 